martes, 5 de febrero de 2008

La Bauhaus. Pedagogía y método del diseño

La Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción" y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas, como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que nos sentamos, hasta las páginas de internet que leemos.

Contexto Histórico Político
La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis y caos en el conjunto de Europa y especialmente en Alemania. Su creación se debió a la unión de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en los dos primeros decenios del siglo XX.

Primera época (1919-1923)
En el momento de su fundación, los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto fueron:

.- La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva

.- Elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes

.-Intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo accesibles para el gran público, ya que una de sus metas era independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.

La Bauhaus se formó cuando Gropius une la escuela de artes con la escuela de artes aplicadas, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.

Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles.

La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.
Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela, propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño.

Segunda época (1923-1925)
A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania.

La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del Constructivismo ruso de El Lissitsky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.

Tercera época (1925-1933)
En 1928 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus, debido a la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.
En 1932, la Bauhaus se trasladó a Berlín.
A continuación una breve reseña de algunos de los fundadores de la Bauhaus:

Walter Gropius, Arquitecto. Nació en el año 1883 en Berlín y murió en el año 1969 en Boston. Estudió arquitectura en Múnich y Berlín y después de colaborar durante los años 1908 a 1910 en el estudio del arquitecto Peter Behrens, monta su propio estudio en Berlín.

Dirige la Bauhaus hasta el año 1928 y durante esta época diseña el edificio de la Bauhaus en Dessau y construye las colonias de Dessau-Törten.

Entre los años 1964-65 diseña el archivo Bauhaus en Darmstadt que se realizará en 1976-79 en Berlín. Gropius fue uno de los grandes arquitectos modernos; con su Fagus-Werk y los edificios Bauhaus creó obras claves de una era.


Marcel Lajos Breuer, Arquitecto y diseñador industrial húngaro. Nació el 21 de mayo de 1902 en Pécs, Hungría y murió el 1 de julio de 1981 en Nueva York.
Estudió en la Bauhaus de Weimar, Alemania, en la época en que Walter Gropius dirigía esta escuela de diseño y arte donde catalizaron las ideas estéticas más importantes del movimiento moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus.






Diseñó la silla B3 (conocida como silla Wassily), realizada en 1925, la primera de tubo de acero en la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala.


También diseñó el sillón modelo B55 en el año 1928.
Sin duda, Marcel Breuel se convirtó en uno de los arquitectos y diseñadores de muebles más famosos del siglo XX. Fue pionero en el desarrollo de las nuevas tecnologías y nuevos materiales para desarrolllar su “estilo internacional”.









REFERENCIAS CONSULTADAS

Escuela de la Bauhaus (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Home Bauhaus (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.arqchile.cl.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Le Bauhaus (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.mipunto.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Bauhaus escuela de diseño (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.acoleccionar.com.ar/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Los diseñadores contemporáneos (1900-2000). [Página Web en Línea]. Disponible: http://arts.galeon.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Marcel Lajos Breurer (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

lunes, 4 de febrero de 2008

El Constructivismo y la Escuela Rusa

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que se originó en Rusia en el año 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Aparece por primera vez como un término positivo en el Manifiesto Realista de Naum Gabo en 1920.
En el arte moderno, este es un término de uso frecuente, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales.
El término Construction Art (construcción artística) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917.
En sí mismo, el término sería trabajado por los artistas Antoine Pevsner y Naum Gabo, que desarrollaron un acercamiento industrial, abierto a su trabajo.

El Constructivismo fue fundado en 1915, por el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin, quién nació en el año 1885, en Jarkov, Ucrania y falleció en Moscú en el año 1953. Además de ser escultor y pintor, fue constructivista y abarcó múltiples facetas: proyectos arquitectónicos, objetos inventados, de diseño y decorados teatrales. Fue el principal inspirador de la vanguardia artística de mayor impacto en la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas), junto con el Futurismo (movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti).
Conoció a Picasso y pasó por varios movimientos artísticos. Quiso materializar el arte con montajes y promover la muerte del arte de museo: "la Obra debe participar en la vida y en la construcción del mundo."
Aunque comenzó cultivando un estilo figurativo, sus trabajos posteriores son abstractos. Se inspiró en las construcciones tridimensionales de madera, papel y otros materiales de Picasso.
En Rusia empezó a experimentar en la escultura relieves abstractos, utilizando materiales industriales como vidrio, metal, alambre y madera. Este tipo de trabajos, realizados entre 1913 y 1917, abrieron el camino a la aparición del constructivismo.
Vladimir Tatlin

El más famoso de sus proyectos fue el del Monumento a la Tercera Internacional, (datado en 1919-1920) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Este proyecto nunca se construyó. Sería un edificio habitable, mucho más alto que la Torre Eiffel, en el que se albergaría la sede de la Internacional.

Proyecto de Monumento para la tercera internacional

Vladimir Tatlin, se unió a Alexander Roedchenko en la dirección del VKhUTEMAS (Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) una de las primeras escuelas de Diseño en el mundo, instalada en Rusia hasta el comienzo de la primera guerra mundial.
Tatlin diseñó también el Leftatlin, un aparato volador sin motor de uso individual que permitiría a los ciudadanos soviéticos desplazarse sin crear contaminación y de manera natural.

Letatlín (Makholet) Material: Wood, Metal, Whale bone. Medidas: 847 x 634 cm. Museo: Air Force Museum. Manino





Estudio para tabla Nº1 (1917). Material: Técnica mixta. Medidas: 43.9 x 29.6 cm.Museo: MOMA. Nueva York




Relieve. Material: Metal and leather on wood. Medidas: 62.9 x 53 cm. Museo: Colección privada

Fotomontaje de Tatlin con sus diseños

El nombre (constructivismo) hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico. En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexander Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros.
A continuación una breve biografía de estos artistas:

Alexander Rodchenko, escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso, nació el 5 de diciembre de 1891 en San Petersburgo y murió el 3 de diciembre de 1956 en Moscú. Fue uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años 20 y 30. Y uno de los fundadores del constructivismo ruso. Estuvo casado con Varvara Stepanova, también artista.
Estudió en la Escuela de Arte de Kazan. Hizo sus primeros dibujos abstractos influenciado por Kasimir Malevich, en 1915. Al siguiente año participó en "The Store", exhibición organizada por Vladimir Tatlin, quién ejerció gran influencia en su desarrollo como artista.
Durante la década de 1920 realizó obras gráficas, incluyendo carteles y diseños para editoriales. En 1919 comenzó a interesarse por el collage y el fotomontaje y a partir de 1924 se dedicó cada vez más a la fotografía y al cine.
Rodchenko volvió a pintar a finales de 1930 y paró de fotografiar en 1942, produciendo cuadros expresionistas abstractos en los años 40. Él continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante estos años.

Alexander Rodchenko y su esposa Varvara Stepanova

Alexander Rodchenko, retocando fotos(Anatoli Skourikine, 1934)


El Lissitzky, artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo y arquitecto. Nació el 23 de noviembre de 1890 y murió el 30 de diciembre de 1941. Fue una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa. Diseñó numerosas exposiciones y obras de propaganda para la Unión Soviética. Se le considera uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero del constructivismo en su país. Su obra influyó grandemente en los movimientos de la Bauhaus, el Constructivismo y De Stijl.
En 1919 entró en un período de arte abstracto influenciado por las revolucionarias ideas de Marc Chagall, quien lo había invitado a enseñar artes gráficas, técnicas de impresión y arquitectura en la Escuela de Arte del Pueblo en Vitebsk
En 1923 Lissitzky enfermó gravemente de tuberculosis, viajando a Suiza para su tratamiento. Durante este período se dedicó a diseños de tipografías y anuncios publicitarios para la firma Pelikan.
En 1925 regresó a Moscú debido a la negativa de renovación del visado por las autoridades suizas y se concentró en el diseño de proyectos arquitectónicos. Su más significante proyecto fue, quizás, el llamado "Wolkenbügel" (Nube de hierro), realizado junto con el arquitecto suizo Emil Roth.

Autoretrato de El Lissitzky

Nube de hierro

Naum Gabo, estadounidense de origen ruso, fue escultor prominente en el Constructivismo y un pionero del arte cinético. Nació el 5 de agosto de 1890 y falleció el 23 de agosto de 1977. Creció en una familia judía de seis hermanos en el pueblo ruso provinciano de Briansk, dónde su padre tuvo unos trabajos en la industria del metal. Cambió su nombre (Naum Pevsner) para evitar confusiones con el de su hermano, Antoine Pevsner, que también era artista. Gabo era un escritor y portavoz fluente en idioma alemán, francés, e inglés además de su ruso nativo.

Estudió medicina e ingeniería en Munich entre 1910 y 1914, pero este año comenzó a crear bustos y cabezas de inspiración cubista realizados en láminas de metal recortado, cartón o celuloide. Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales industriales en lugar de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en bronce.

Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño colosal, 26 metros, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.


Naum Gabo

Busto de inspiración cubista realizado en láminas de metal recortado


Obra de Naum Gabo


Antón Pevsner,
escultor francés de origen ruso, líder del movimiento constructivista de la escultura contemporánea. Nació en Orël en el año 1886 y murió en el año 1962. Trabajó en Noruega con su hermano Naum Gabo durante la I Guerra Mundial.

Cuando regresó a Rusia en 1917 se dedicó a la enseñanza en la Escuela de Bellas Artes de Moscú. En 1920 Gabo y Pevsner publicaron su Manifiesto realista, un preciso compendio de los asuntos que afectaban al arte del siglo XX y una declaración de sus propios principios artísticos. Entre sus obras destacan Columna desarrollable (1942, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y Proyección dinámica al trigésimo grado (Ciudad Universitaria de Caracas, Venezuela).





Escultura datada entre 1924 y 1926. La descomposición en planos encara denota la influència del cubismo.


REFERENCIAS CONSULTADAS


Constructivismo (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Vladimir Tatlin (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Vladimir Tatlin (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://usuarios.lycos.es/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Alexander Rodchenko (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

El Lissitzky (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

El Lissitzky (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.enfocarte.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Naum Gabo (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.biografiasyvidas.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Naum Gabo (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Antón Pevsner (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]


martes, 22 de enero de 2008

Arts and Crafts "Artes y Oficios"

Arts and Crafts (traducido en español significa "artes y oficios"), es un movimiento artístico que surgió en Inglaterra a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, como respuesta al rechazo del primer estilo industrial conocido como victoriano. Se desarrolló en Reino Unido y en Estados Unidos.
Del estilo victoriano, se dice que los visitantes de la Feria Universal de 1851 cuando llegaban al Crystal Palace de Londres, se asombraban por los avances técnicos que allí había y además por el mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa. De tal manera que la idea de progreso industrial comenzó a mezclarse con la visión de que era necesaria una reacción que devolviera a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética, que fuera a la par con las funciones naturales para lo cual fueron fabricados. Esa reacción se denominó Arts and Crafts (Artes y Oficios), puesto que pretendió elevar la dignidad social, reivindicando así la primacía del ser humano sobre las máquinas, y realzar la estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.
Podría decirse que el Art and Craft se trata de un movimiento estético reformista, que tuvo gran influencia en las artes decorativas (caracterizadas por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas) y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.
En Estados Unidos, se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (Modernismo) y Art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925.
Al hablar del Art and Craft, también se asocia sobre todo con la figura de William Morris, un hombre polifacético, que fue: artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta y activista político, que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Además de William Morris, sus principales impulsores fueron: Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, y Herbert Tudor Buckland, entre otros.

A continuación, una breve biografía de William Morris y John Ruskin, artistas destacados de este movimiento Arts and Crafts:

William Morris (fundador del movimiento Arts and Crafts), nació el 24 de marzo de 1834 en Walthamsow, cerca de Londres y murió el 3 de octubre de 1896. Perteneciente a una familia acomodada. Inició su educación en 1848 en el Marlborough College y la completó en el Exeter College de la Universidad de Oxford, donde estudió arquitectura, arte y religión. En esta época conoció al crítico John Ruskin, que tendría sobre él una influencia duradera y a artistas como Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, Ford Madox Brown y Philip Webb. En estos años también conoció a su futura esposa, Jane Burden, de clase obrera, cuyo pelo cobrizo y piel pálida eran considerados por Morris y sus amigos como la máxima expresión de la belleza femenina.
Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita, movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura y propugnaba un retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas.
William Morris tuvo, sin lugar a dudas, una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.

William Morris (socialista e innovador en las artes)

John Ruskin fue un escritor, crítico de arte y cociólogo británico, uno de los grandes maestros de la prosa inglesa. Nació en Londres en el año 1819 y murió en el año 1900.

Hijo de un rico comerciante, viajó mucho por Europa durante su juventud y con su trabajo ejerció enorme influencia en los gustos de los intelectuales victorianos.
En 1837 ingresó a Oxford, ganó (en 1839) un importante premio con su poema «Salsette and Elephanta» y se graduó en 1842.
La obra de Ruskin destaca por la excelencia de su estilo. Rebelándose contra el entumecimiento estético y los perniciosos efectos sociales de la Revolución Industrial.

John Ruskin


Primeras propuestas
.- Aunque la mayor parte de los ciudadanos ingleses del XIX permanecían apáticos o satisfechos con el nivel estético alcanzado por su poderosa industria, las reacciones al recargado estilo dominante en la época se iniciaron a finales de la década de 1840. A este respecto hay que destacar la obra de Henry Cole, que editó el Journal of Design and Manufactures desde 1847.

.- Dos años después, en 1849, apareció la obra de John Ruskin, Las siete lámparas de la arquitectura, una de las obras fundamentales de la crítica de arte del siglo XIX, que ya en 1843 había comenzado a publicar una serie sobre Pintores contemporáneos y que en 1851 al 53 publicaría Las piedras de Venecia.

Dibujo de John Ruskin


.- Desde el punto de vista de la acción, el Arts and Crafts experimentó un empuje importante en 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, Faulkner and Company, conocida generalmente como Morris and Company.
En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes editoriales comerciales durante varias décadas.

Diseño de William Morris para un papel pintado


Principios del Arts and Crafts
Dentro de las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran algunos principios filosóficos, éticos, políticos y estéticos, entre los cuales se destacan:

.- Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

.- Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentando sus tareas.

.- Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.

.- Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.

.- Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

.- Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

El Jugendstil

El jugendstil significa "estilo joven o de la juventud" y designa la variante del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó un papel importante en la popularización del nuevo estilo.
Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin (1819-1900) y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte, sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los autoritarios comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.

Los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural que revelaban los avances en investigación científica y tecnológica. Las formas orgánicas y los motivos vegetales forman parte de este estilo, lo que permite brindarle a la obra un gran sentido de dinamismo y un fuerte desarrollo orgánico.

También, estos diseñadores estuvieron más cerca que sus contemporáneos asociados al Art Nouveau de salvar la distancia existente entre la “manufacturación artística” y la producción industrial. Se crearon numerosos talleres para producir sus diseños reformados, entre los que cabe destacar los Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos para Artistas Artesanos) en 1897 y los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst (Talleres de Dresde para Artistas Artesanos) en 1898. Estas empresas se crearon con la intención de producir artículos para el hogar usando métodos éticos de fabricación. Los objetos creados en Dresde no estaban tan elaborados y, por lo tanto, eran más baratos que los fabricados en Munich, pero seguían estando fuera del alcance del bolsillo de la familia media.

En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio, promovida desde Berlín, y muchas regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich, Darmstadt, Weimar y Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil.

A continuación, una breve biografía de uno de los artistas más destacados de este estilo:

Henry van de Velde, arquitecto y diseñador belga consejero artístico de su corte. Nació en Amberes, Bélgica el 3 de abril de 1863. Hijo y murió en Suiza, el 15 deoctubre de 1957. Hijo de un químico rico. Estudió inicialmente pintura e influenciado por su admiración por Rusking, Morris y Voysey, volvió a dirigir sus esfuerzos como diseñador.

Estuvo ligado al Modernismo, pero más tarde evolucionó hacia el Racionalismo, mostrándose partidario de la ausencia de ornamentación.

Pensaba que todas las artes debían subyegarse a las artes decorativas, ya que mejorando el entorno del hombre, el hombre mejoraba. Por ese motivo diseñaba hasta el último detalle de sus espacios.

Recibió el encargo de diseñar o proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. El propio Van de Velde dirigió la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y, durante ese período, diseñó numerosos objetos de plata y cerámicas Jugendstil, que destacaban por su sencillez formal.

Henry Van de Velde


"Die Engelwaché de Henry Van de Velde" (1892, algodón, seda y aplicaciones tejidas)



El Art Nouveau (arte nuevo)

Es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño. Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Su nombre se deriva a raíz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina “La maison del Art Nouveau”, diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernisme o Estil modernista (en Cataluña), entre otros.

Características generales del Art Nouveau:

.- Una de las características principales del Art Nouveau es su adaptabilidad a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se encuentra íntimanmente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

.- Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.

.- Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.

.- Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica como: la xilografía, el cartelismo y la impresión.

.- Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial. El uso de los motivos se observa en la aplicación del mobiliario, la arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.

.- Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, hacia lo erótico en algunos casos.

.- La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas lejanas o antiguas (Japón, Egipto antiguo, la cultura clásica grecorromana).

.- Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y las figuras femeninas. Éstas últimas se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.

.- Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.


Arquitectura Modernista

Fachada de la casa Batlló


Escaleras del interior de la casa Horta. uno de los ejemplos más refinados de la arquitectura modernista

Tirador de puerta. Hotel Horta. Bruselas


El modernismo en las artes gráficas

Boletín del período


Rótulo estilo modernista


Joyería Modernista


Ejemplo de diseño de joya modernista

Art Decó
El Art Decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta los años 1950 en algunos países), afectando las artes decorativas, como: la arquitectura, el diseño interior y el diseño gráfico e industrial; y las artes visuales como: la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.




REFERENCIAS CONSULTADAS

Arts and Crafts (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com [Consulta: 2008, Enero 14]

Arts and Crafts (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.juanval.net/ [Consulta: 2008, Enero 14]

Arts and Crafts (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.todacultura.com/[Consulta: 2008, Enero 14]

Jugedstil (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.swissinfo.org/ [Consulta: 2008, Enero 21]

Art Nouveau (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://todacultura.com/ [Consulta: 2008, Enero 21]

Art Nouveau (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 21]

William Morris (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com [Consulta: 2008, Enero 26]

Henry Van de Velde (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

John Ruskin (2007). Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Biografía de diseñadores (1800-1900). [Página Web en Línea]. Disponible: http://arts.galeon.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]





sábado, 5 de enero de 2008

Resumen (Los medios impresos y desarrollo de la tipografía)

La vital necesidad del hombre por comunicarse abre paso a lo que hoy día conocemos como Alfabeto (sistema gráfico. Conjunto ordenado de letras de un idioma). Dicha palabra proviene de la fusión de las dos primeras letras griegas: alfa (α) y beta (β). El origen de nuestros actuales alfabetos se remonta en la antigüedad, con el uso de signos y símbolos que permiten representar elementos naturales y actividades cotidianas.
Para el año 3500 a.C. nace el primer pictograma, el cual fue hecho sobre una tablilla en pieza caliza hallada en la ciudad de Kish (Babilonia).

Posteriormente, los sumerios desarrollaron ideogramas, y a medida que este sistema avanzaba, las puertas se abrieron para dar paso a la escritura cuneiforme en el año 2800 a.C.En Egipto se desarrollaron tres alfabetos para el año 1500 a.C.: el jeroglífico, hieráldico y demótico.

En occidente el alfabeto romano fue evolucionando y para el siglo X, en Suiza, se desarrolló un nuevo tipo de letra comprimida; la gótica, más rápida de escribir y mejor aprovechada por el papel, difundiéndose por toda Europa.

En cuanto a la tipografía, podría decirse que es el arte y técnica del manejo y selección de tipos, para crear trabajos de impresión.
Es el oficio que trata el tema de las letras, números y símbolos de un texto impreso, ya sea sobre un medio físico o electromagnético.

Por último, cabe destacar uno de los hechos más importantes para el desarrollo de la tipografía y de la cultura humana: la invención de la imprenta por Johann Gutenberg para el año 1450. Trayendo como resultado, la extensión y el desarrollo de la comunicación al alcance de muchas culturas.

Los Medios Impresos

Los medios impresos de comunicación son muy antiguos, los pueblos de la antigüedad dejaban constancia de su vida y costumbres utilizando papiros, códices, pinturas y estelas jeroglíficas.

Con la invención del alfabeto, aprender a leer y escribir fue más fácil y la comunicación impresa estuvo al alcance de muchas personas.

Con la introducción de la imprenta la producción de libros se multiplicó. En Alemania, más de 150 años después apareció por primera vez un diario.

Los diarios circulan todos los días, en ellos podemos encontrar todo tipo de información, desde política hasta deportes, pasando por economía, espectáculos, viajes, gastronomía y cultura.


Las revistas, tienen una circulación semanal, quincenal o mensual, según sea el caso. Existen revistas especializadas en los múltiples aconteceres de la vida nacional e internacional como la moda, política, deportes, cultura y cine, entre otros.



Desarrollo de las innovaciones más importantes que han ayudado al avance de los medios impresos:

.- 3500 a.C. En Sumeria, se utilizaban Pictogramas en tablillas de barro para describir eventos.

.- 1500 a.C. Alfabeto fenicio.

.- 1270 a.C. Un erudito sirio recopila la primera enciclopedia.

.- 775 a.C. Alfabeto fonético griego escrito de izquierda a derecha.

.- 500 a.C. Precursor del telégrafo desarrollado en Grecia. Se utilizaban trompetas, tambores y humo como señales de mensajes.

Precursor del Pony Express en pleno uso en Persia.

Pluma y tinta son utilizados por eruditos chinos.

.- 100 d.C. Correo gubernamental romano es distribuido en todo el imperio por "couriers".

.- 105 d.C. T'sai Lun inventa el papel.

.- 450 d.C. En China se utiliza la tinta en los sellos estampados en papel (desarrollo de la impresión).

.- 600 d.C. Se imprimen libros en China.

.- 950 d.C. Libros plegables aparecen en China en lugar de los rollos.

.- 1035. Papel desechado es utilizado para fabricar nuevo papel en Japón (primer reciclaje conocido).

.- 1049. Pi Sheng fabrica el tipo móviles utilizando arcilla.

.- 1241. Letras o tipos de metal se inventan en Corea.

.- 1392. Se utiliza la fundición para hacer caracteres de bronce en Corea.

.- 1423. Los europeos comienzan a utilizar el método chino de impresión en bloque.

.- 1450. Panfletos noticiosos comienzan a circular en Europa.

.- 1451. Johannes Gutemberg utiliza una prensa para imprimir un viejo poema alemán.

.- 1452. Se utilizan platos de metal en la impresión.

.- 1453. Gutemberg imprime la Biblia de 42 líneas en cada página.

.- 1490. Impresión de libros en papel se hace más común en Europa.

.- 1500. 10 millones de copias de 35 mil libros han sido impresos en Europa.

.- 1609. Aparece en Alemania el primer periódico regularmente impreso.

.- 1631. Los periódicos franceses incluyen anuncios clasificados.

.- 1689. Los periódicos se imprimen como hojas desplegables.

.- 1833. El profesor de matemáticas de la Universidad de Cambridge Charles Babbage (1792-1871) ideó la primera máquina procesadora de información. Algo así como la primera computadora mecánica programable. Pese a que dedicó casi cuarenta años a su construcción, murió sin terminar su proyecto.

.- 1886. La máquina linotipia se inventa para imprimir tipos.

.- 1890. Los cartones perforados y un primitivo aparato eléctrico se usaron para clasificar por sexo, edad y origen a la población de Estados Unidos. Esta máquina del censo fue facilitada por el ingeniero Herman Hollerith, cuya compañía posteriormente se fusionó (1924) con una pequeña empresa de Nueva York, creando la International Business Machines (IBM), empresa que un siglo más tarde revolucionó el mercado con los computadores personales o PC.

.- 1892. Imprenta rotativa de cuatro colores.- Máquinas de escribir portátiles.

.- 1901. Primera máquina de escribir eléctrica, la Blickensderfer.

.- 1941. Konrad Suze presentó el Z3, el primer computador electromagnético programable mediante una cinta perforada.

.- 1944. En 1939, Howard Aiken (1900-1973), graduado de física de la Universidad de Harvard, logró un convenio entre dicha universidad e IBM, por el que un grupo de graduados inició el diseño y la construcción del primer computador americano, del tipo electromecánico -basado en electroimanes. El Mark I comenzó a funcionar en 1944.

.- 1971. Intel construye el microprocesador, "una computadora en un chip".

.- 1981. IBM lanzó al mercado el IBM PC, diseñado por doce ingenieros dirigidos por William C. Lowe.


Desarrollo de la Tipografía. Historia

Antes de conocer la historia de la tipografía, es necesario saber el origen etimológico de la palabra "tipografía" y definir la misma.

La tipografía (del griego typos, forma, y de graphein, escribir) es el arte y técnica del manejo y selección de tipos, originalmente de plomo, para crear trabajos de impresión. El tipógrafo Stanley Morison la definió como:
"Arte de disponer correctamente el material de imprimir, de acuerdo con un propósito específico: el de colocar las letras, repartir el espacio y organizar los tipos con vistas a prestar al lector la máxima ayuda para la comprensión del texto".

El origen de nuestros actuales alfabetos (sistemas de signos abstractos que representan sonidos articulados) se remonta en la antigüedad, en el primigenio uso de signos y símbolos para representar elementos naturales y actividades cotidianas. El primer pictograma (dibujo representando un objeto o una idea sin que la pronunciación de tal objeto o idea sea tenida en cuenta) del que se tiene constancia se remonta al año 3.500 a.C., y es sobre una tablilla en pieza caliza hallada en la ciudad de Kish (Babilonia).

Más tarde, los sumerios desarrollaron ideogramas (símbolos que representan ideas asociadas menos concretas), sistema que fue desarrollándose hasta dar lugar al sistema cuneiforme sumerio de escritura, basado en sílabas que imitaban el lenguaje hablado. Un ejemplo de escritura de este tipo es la tablilla hallada en Ur, fechada sobre el 2900-2600 a. C., que describe una entrega de cebada y comida a un templo.



La evolución posterior de este sistema silábico dio lugar a la escritura cuneiforme (2.800 a.C.), que utiliza lo que podemos considerar como el primer alfabeto, cuyas letras se imprimían sobre arcilla usando una cuña.


De esta época datan multitud de tablillas que contienen textos económicos, religiosos, poéticos, y legales, como el famoso código de Hammurabi, uno de los documentos jurídicos más antiguos que existen.



Sobre el año 1.500 a.C. se desarrollaron en Egipto tres alfabetos (jeroglífico, hierático y demótico). De ellos el jeroglífico (mixto ideográfico y consonántico), basado en 24 símbolos consonantes, era el más antiguo.


Escritura Egipcia

Los fenicios adoptaron este alfabeto egipcio 1.000 años antes de Cristo, usando para escribir pieles y tablillas enceradas, y también lo transmitieron por el mundo civilizado, de tal forma que poco después fue adoptado también por los hebreos y los arameos, sufriendo con el tiempo una evolución propia en cada un de estas culturas.

Escritura Fenicia


El alfabeto fenicio fue también adoptado por etruscos y griegos y de ellos lo fue por los romanos, que en el siglo I ya manejaban un alfabeto idéntico al actual, a falta de la J, la W y la V.

El Imperio Romano fue decisivo en el desarrollo del alfabeto occidental, por crear un alfabeto formal realmente avanzado y por dar la adecuada difusión a este alfabeto por toda Europa conquistada, ya que muchas lenguas que no tenían sistema propio de escritura adoptaron el alfabeto romano o latino.


La escritura romana adoptó tres estilos fundamentales: Quadrata (mayúsculas cuadradas romanas, originalmente cinceladas en piedra), Rústica (versiones menos formales y más rápidas en su ejecución) y Cursiva (modalidades de inclinación de las mayúsculas).


Partiendo del modelo fenicio-nabateo se desarrolló también, alrededor del siglo IV d. C, el alfabeto árabe, formado por 28 consonantes y en el que, al igual que el resto de alfabetos semíticos, se escribe sin vocales, de derecha a izquierda.


En occidente el alfabeto romano fue evolucionando y, en el siglo X, en el monasterio de St. Gall, en Suiza, se desarrolló un nuevo tipo de letra comprimida y angulosa, la letra gótica, más rápida de escribir y que aprovechaba mejor el papel, factores importantes en un momento que la demanda de escritos se había incrementado notablemente, escritos que se realizaban a mano, primeramente en pergaminos y luego, a partir del año 1.100, en papel. La letra gótica se difundió por toda Europa, surgiendo diferentes variantes (Textura, Littera Moderna, Littera Antiqua, Minúscula de Niccoli,, etc.). En 1.450 se produjo uno de los hechos más importantes para el desarrollo de la Tipografía y de la cultura humana: Johann Gutenberg (1398 – 1468) inventa a la vez los caracteres móviles y la prensa, creando la imprenta. El primer texto occidental impreso, la "Biblia de 42 líneas" de Mazarino, sale en 1.456, al parecer de la imprenta de Gutenberg.




El trabajo de impresión posibilitó el uso de nuevos tipos de letra. En 1470 Nicolas Jenson graba el primer tipo en estilo romano inspirándose en las Quadratas romanas, en 1.495 Francesco Griffo diseña el tipo conocido como Bembo, en 1.501 Francesco de Bolonia diseña para el veneciano Aldo Manucio el primer tipo mecánico cursivo y en 1.545 el impresor francés Claude Garamond crea una fundición y comienza a fundir un tipo más informal que la letra romana trajana, basado en el trazo de la pluma de ave.



Desde entonces, multitud de tipógrafos aportaron su granito de arena a la creación de nuevas fuentes, entre los que destacan Alberto Durero, Giambattista Bodoni, Fournier, Didot, Caslon, Baskerville, Bodoni y ya en el siglo XX, Max Meidinger (creador de la fuente Helvética en 1.957), Cooperplate y Novarese.

viernes, 4 de enero de 2008

Resumen (Barroco)

El barroco es un movimiento cultural que abarcó los años 1600 hasta 1750 aproximadamente y tuvo gran influencia dentro de la arquitectura, pintura, música, escultura, moda y danza.
Este estilo surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradicó hacia la mayor parte de Europa.

El término barroco es una traducción francesa de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"), que significa "perla de forma irregular", o "joya falsa".

Cabe destacar que por muchos años el término barroco fue usado en sentido despectivo, para destacar el exceso de ornamentación.
El barroco expresó nuevos valores; en literatura representó un estado de ánimo romántico.
En la pintura, el virtuosismo se encontraba junto con el realismo, permitiendo de esta manera que el arte se hiciera menos distante de las personas.
En cuanto a la iglesia, se exige a todos los artistas que se alejen de las elaboraciones sofisticadas, para llevar a cabo un arte sencillo, directo y fácil de leer para cualquier fiel que se aproxime a la iglesia. Los personajes han de ser cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos para semejar casi como pordioseros, con rostros vulgares.
Las pinturas se complican para ofrecer al espectador variedad y colorido. Las luces, los colores, las sombras se multiplican y ofrecen una imagen vistosa y atrayente de la religión y sus protagonistas.
En este movimiento cultural, el exceso en la decoración está presente en todas las textiles. El uso de bordado y encaje toma un auge importante dentro de la moda barroca. El bordado es de temática vegetal y policromo. El encaje pierde notoriedad y se tiende a adoptar el de fondo de tul y dibujo pequeño. Se encuentra la elegancia mediante el extarordinario uso de ornamentos, lazos, cuellos y puños de encajes, que frecuentemente ocultan la estructura del vestido.
Se crean los tratamientos químicos de colorantes.
El tejido se decora con motivos vegetales y pequeños paisajes.
El estampado sobre algodón, ideado para imitar las telas pintadas sobre algodón de la India, se convierte en una industria nueva con manufacturas industriales, que evitan el control de los gremios textiles.
El vestido masculino se compone de casaca, chaleco y calzón, que deja visibles las medias de género de punto.

El vestido femenino consta de cuerpo ajustado, con mangas también ajustadas, y falda; bajo el cuerpo se lleva el corsé para ceñir el tórax y conferirle rigidez; y bajo la falda, el miriñaque, media falda de aros cuya finalidad es sostenerla, ensancharla y darle una forma redonda, ancha lateralmente y voluminosa por detrás.
Se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas. Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Barroco

El Barroco, además de ser un periodo de la historia del arte, fue un movimiento cultural que se extendió en la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente.

El estilo barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX), el término barroco tuvo un sentido peyorativo, sinónimo de recargado, desmesurado e irracional, hasta que, posteriormente, fue revalorizado a fines del siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedeto Croce y Eugenio D´Ors.
El período Barroco se ubica entre los períodos Manierista y Rococó, aunque algunas definiciones llegan a incluir a ambos movimientos como parte del Barroco y, por ende, lo sitúan entre el arte del Renacimiento y el Neoclásico. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revoluconarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.
La palabra barroco, es una traducción francesa de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"), que significa "perla de forma irregular", o "joya falsa". Una palabra antigua similar, "barlocco" o "brillocco", es usada en el dialecto romano con el mismo sentido, o también se le llama "barro-coco" todas ellas significando lo mismo.
El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII ). Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich Wolfflin (1864-1945), quién identificó al barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte "elaborado".


El barroco como movimiento cultural.
El Barroco realmente expresó nuevos valores; en literatura es abundante el uso de la metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del renacimiento.

El dolor psicológico del hombre, en busca de anclajes sólidos, se puede encontrar en el arte barroco en general. El virtuosismo fue investigado por los artistas de esta época junto con el realismo. La fantasía y la imaginación fueron evocados en el espectador, en el lector, en el oyente. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente. El arte se hace entonces menos distante de las personas, solucionando el vacío cultural que solía guardar.
Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural:
.- En música puede ser Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach.
.- En literatura española se encuentran Luis de Góngora y Francisco de Quevedo y Villegas.
.- En pintura italiana están Prieto da Cortona, Caravaggio y los Carracci.
.-En la escultura italiana el exponente más célebre del barroco es Bernini. En la escultura mexicana está representada por Jerónimo Balbás, entre otros.
.- En la arquitectura Borromini.

Por otra parte, en cuanto a la iglesia podría decirse que la necesidad de reformar las estructuras del mundo católico es lo que conduce al Concilio de Trento y a la mal llamada Contrarreforma, en realidad, una Reforma católica, que no va contra algo sino en busca de una adaptación a los nuevos tiempos.
La traducción de este estado de cosas sobre el arte trae importantes consecuencias desde el primer momento. Los teólogos reunidos en el concilio, la mayoría españoles, proclaman ciertos dogmas que han de ser representados dignamente por los artistas al servicio de la Iglesia: la virginidad de María, el misterio de la Trinidad, entre otros, pasan a protagonizar los lienzos.

La Iglesia, antes que las monarquías absolutistas que posteriormente ejercieron un poder paralelo al Vaticano, fue la primera en comprender el poder ilimitado del arte como vehículo de propaganda y control ideológico.

Se exige a todos los artistas que se alejen de las elaboraciones sofisticadas y de los misterios teológicos, para llevar a cabo un arte sencillo, directo, fácil de leer, que cualquier fiel que se aproxime a una iglesia pueda comprender de inmediato. Los personajes han de ser cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos para aparecer casi como pordioseros, con rostros vulgares. El énfasis de la acción ha de colocarse sobre el dramatismo: la consigna fue ganar al fiel a través de la emoción. Las escenas se vuelven dinámicas, lejos del hieratismo intemporal de los estilos anteriores. Las composiciones se complican para ofrecer variedad y colorido. Las luces, los colores, las sombras se multiplican y ofrecen una imagen vistosa y atrayente de la religión y sus protagonistas. Fuera del patrocinio de la Iglesia, los mecenas privados se multiplican: el afán de coleccionismo incita a los pintores a llevar a cabo una producción de pequeño o mediano formato para aumentar los gabinetes de curiosidades de ricos comerciantes y alta nobleza.
En la época de los filósofos Bacon y Descartes, el arte se colecciona como los objetos científicos o los exóticos bienes importados de las Indias y América. Las complejas composiciones del Barroco, la diversidad de focos de luz, la abundancia de elementos, todo, puede aplicarse perfectamente a un paisaje.



La Iglesia de Sant'Andrea al Quirinale es un muy buen ejemplo de la arquitectura barroca y un fino ejemplo de la pintura barroca.

Arquitectura Barroca. Se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo Rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en los que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes.

Altar Barroco


Catedral de la Asunción Valladolid en España

Fresco Barroco



"Collegiata" en Catania Sicilia




Escultura.
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaban despertar la fe del pueblo.

Busto Barroco de una mujer


Escultura barroca de un elefante


Éxtasis de Santa Teresa

Pintura.
Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

joven mendigo

Venus del espejo

Las meninas


Moda Barroco.

El exceso en la decoración, característico de este periodo, está presente en todas las artes textiles. El tejido continúa diferenciándose entre el destinado a tapizar, de dibujos de grandes dimensiones, y el destinado a la indumentaria, con dibujos pequeños estructurados en diagonal. En la segunda mitad del siglo, Italia deja de liderar la producción sedera y Francia, más concretamente Lyon, la sustituye gracias a la introducción del telar de Dangon.
El bordado, que ya no es pictórico, deviene decorativo y repetitivo, con temática vegetal. El XVII es el gran siglo del encaje, sobre todo de la técnica de aguja, como las denominadas venecianas y los puntos de Francia, y la de bolillos, denominada punta de Flandes. La indumentaria encuentra la elegancia mediante el extraordinario uso de ornamentos, lazos, cuellos y puños de encajes, que a menudo ocultan la estructura del vestido.




Vestido y calzado estilo barroco


Rococó y neoclasicismo.
El siglo XVIII es de mejoras técnicas en el telar y en los tratamientos químicos de los colorantes. El tejido se decora con motivos vegetales y pequeños paisajes. Los dibujos más característicos son los del espolín (ramas onduladas con flores), propios del estilo Luis XV (rococó), y las franjas verticales con ramos, o muy pequeños o de grandes dimensiones, propios del estilo Luis XVI (neoclasicismo), que siguen la moda gala. Los principales centros sederos fueron Lyon y Tours (Francia); en España se distinguieron Toledo y Valencia. Cataluña fabricó tejidos lisos y género de punto de seda, especialmente en Manresa.

El bordado es de temática vegetal y policromo. El encaje pierde notoriedad y se tiende a adoptar el de fondo de tul y dibujo pequeño.

El estampado sobre algodón, ideado para imitar las telas pintadas sobre algodón de la India, se convierte en una industria nueva con manufacturas industriales, que evitan el control de los gremios textiles. La decoración de las indianas europeas es, en un primer momento, deudora de las que provienen de la India y de las sedas labradas. Se destinan los dibujos de flores a la indumentaria y los temas historiados monocromos a los tejidos de mobiliario. Barcelona y su entorno tuvieron una poderosa industria de indianas desde 1738, embrión de la Revolución Industrial.

El vestido masculino del siglo XVIII es el antecedente directo del vestido del siglo XX. Se compone de casaca, chaleco ycalzón, que deja visibles las medias de género de punto.

El vestido femenino consta de cuerpo ajustado, con mangas también ajustadas, y falda; bajo el cuerpo se lleva el corsé para ceñir el tórax y conferirle rigidez; y bajo la falda, el miriñaque, media falda de aros cuya finalidad es sostenerla, ensancharla y darle una forma redonda, ancha lateralmente y voluminosa por detrás, a medida que avanza el siglo. A partir de 1770, los vestidos de hombres y mujeres buscan la simplicidad debido al regreso al clasicismo y a la naturaleza, así como por la influencia inglesa de los atuendos campestres de la aristocracia.

Rococó.
El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760.

Se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas. Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.


Contexto histórico y social
Su precedente se sitúa en los inicios del siglo XVIII coincidiendo con la regencia de Felipe de Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el final del estilo tardo barroco y su evolución hacia la expresión de un gusto más contemporáneo, independiente y hedonista, contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso del reinado de Luis XIV.

La transición del Rococó, también conocido como el «estilo Luis XV», a nuevas formas y expresiones artísticas, empezó hacia el 1760.

Este estilo, llamado en su tiempo «del gusto moderno», fue despreciado por sus críticos y detractores neoclasicistas con la palabra Rococó, que es una composición de «rocaille» (piedra) y «coquille» (concha marina), puesto que en los primeros diseños del nuevo estilo aparecían formas irregulares inspiradas en rocas marinas, algas y conchas. Otras versiones buscan el origen en rocaille, un tipo de ornamentación de los decoradores de grutas de los jardines barrocos y que se distinguía por su profuso ensortijamiento.

El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito natural va a ser, fundamentalmente, los espacios interiores y en menor grado las composiciones monumentales.

Del Barroco al Rococó.
La delicadeza y la alegría de los motivos Rococó han sido vistos a menudo como una reacción a los excesos del régimen de Luis XIV.

Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista deja de ser un servidor del poder y trabaja con más libertad y se inicia el mercado del arte. El Rococó se presenta como un arte al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida y la arquitectura se transforma y se modifica la forma de vivir.

Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro de la alta burguesía, es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones.

Mobiliario y objetos decorativos durante el periodo Rococó.
El diseño Rococó se adecúa mejor a los objetos de talla reducida que a la arquitectura y a la escultura.

El Rococó francés fue utilizado, sobre todo en el interior de las casas. Figuras de porcelana, platería y, sobre todo, el mobiliario incorporan la estética del Rococó cuando la alta sociedad francesa quiere arreglar las casas con el nuevo estilo.

El Rococó aprecia el carácter exótico del arte chino y, en Francia, se imita este estilo en la producción de porcelana y vajilla de mesa.

Diván de estilo Rococó


Mesa de la factoría de Sevres de Martín Carlín 1772



Diseño de jardines


Diseño de jardines

REFERENCIAS CONSULTADAS

Barroco. (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2007]

Barroco y moda. (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.museutextil.bcn.es/ [Consulta: 2007]

Rococó. (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2007]

Rococó. (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.infojardin.com/ [Consulta: 2007]